Dienstag, 28. März 2017

HALLOWEEN 3 (Halloween 3 - Season of the Witch 1982 Tommy Lee Wallace)


Nachdem einer seiner Patienten im Krankenhaus getötet wurde, beobachtet Dr. Challis direkt nach der Tat, wie der Mörder sich selber umbringt. Zusammen mit der Tochter des Getöteten forscht er nach was es mit diesem mysteriösen Vorfall auf sich hat. Eine Spur führt zu einer Fabrik, die Halloweenmasken herstellt und sich für die Kinder zum Feste etwas Besonderes ausgedacht hat - etwas Mörderisches...


Myers-ähnliche Roboter...

Mit „Halloween 3“ visierte Produzent John Carpenter, welcher Regie und Autor von Teil 1 war, etwas anderes an als das was die Fans sehen wollten. Während diese sich über eine weitere Rückkehr des maskierten Killers Michael gefreut hätten, wollte Carpenter von nun an jährlich einen weiteren „Halloween“-Teil produzieren, der jeweils eine eigene Geschichte erzählt. Warum er für den Beginn dieser Idee ausgerechnet auf eine solch merkwürdige Geschichte, wie der hier erzählten, zurückgegriffen hat, wird ein ewiges Rätsel bleiben, denn massenkompatibel sieht anders aus, so dass „Halloween 3 - Season of the Witch“ (Originaltitel) vielen Zuschauern so gar nicht gefiel - ganz unabhängig vom fehlenden Michael Myers-Aspekt.

Freunde des anderen Films sei jedoch zu diesem ungewöhnlichen Werk geraten, denn was der Masse schmeckt, ist bei weitem kein Qualitätsurteil, wie der wahre Cineast weiß. Zwar wird auch dem Freund andersartiger Filme auffallen, dass die Hintergründe der Geschehnisse, die Beweggründe des Bösewichts und seine Taten, Quatsch mit Soße sind, aber selten wurde eine solch gewöhnungsbedürftige Idee so atmosphärisch, düster und ernst umgesetzt, wie hier geschehen. Es stimmt, was man vielerorts liest, dass „Halloween 3 - Die Nacht der Entscheidung“ (Alternativtitel) stilistisch trotz fehlendem Michael Myers näher an den beiden ersten Teilen orientiert ist, als die Fortsetzungen ab Teil 4, die Michael wieder auferstehen ließen. Und „Halloween 3“ ist der Beweis dafür, dass mit diesem nüchternen, düsteren, schleichend erzählten Stil selbst eine theoretisch unsinnige Geschichte, wenn sie ernst und professionell genug vorgetragen wird, zu funktionieren weiß.

„Halloween 3“ ist ein Film der Atmosphäre und einer der Effekte gleicher Maßen. An Brutalitäten mangelt es nicht innerhalb der Fortsetzung zu einem Streifen, der die zur Entstehungszeit von „Halloween 3“ in den Kinos frisch tobende Slasher-Welle mit beeinflusste, so dass sich mit drastischen Tötungsmethoden Momente in den hier besprochenen Film eingeschlichen haben, die dem Slasher zuzuordnen sind, ohne dass Tommy Lee Wallaces Werk diesem angehören würde.

Dem eigentlichen Schauwert, der düsteren, schleichenden Atmosphäre, bescheren diese drastischen Momente keinen Abbruch. Manch eine von ihnen weiß das Unbehagen der Geschehnisse gar zu unterstützen, vorausgesetzt man schafft es die Idiotie der Geschichte zu ignorieren. Ich persönlich lehne mich sogar weit aus dem Fenster heraus und behaupte, ganz so idiotisch wie die Geschichte klingt, ist sie gar nicht ausgefallen. Sie ist wirr und ungewöhnlich, wirkt aber nur deshalb albern, weil sie nicht zu den theoretisch ähnlich albernen Standards des Horror-Genres gehört, an die man sich längst gewöhnt hat und die man nicht mehr auf Sinn und Unsinn hinterfragt. Auch ich wunderte mich damals, warum solch eine trashige Geschichte so gut funktioniert. Heutzutage, wo ich cineastisch reifer geworden bin und seit relativ kurzer Zeit auch kein Freund des Begriffs Trash mehr bin, gehe ich mit mehr Respekt an Stoffe wie diesen heran, und begrüße die mutige Herangehensweise solcher Filme.

Dieser Umgang mit dem Film verhindert nicht, dass ich es trotzdem eher albern finde wenn aus Menschenköpfen Schlangen und Spinnen platzen, den restlichen Unsinn kann ich jedoch tatsächlich recht gut ignorieren, eben weil der Film so toll inszeniert ist und dazu einlädt sich einmal für 90 Minuten auf solch einen Stoff einzulassen. Dank der düsteren, schonungslosen und mit einer gemeinen Schluss-Pointe versehenen Umsetzung, kann dies tatsächlich funktionieren. Man mag hinterher über manchen Hintergrund der Geschichte die Augen verdrehen dürfen, gleichzeitig muss man Wallace aber auch zugestehen, dass er diese stupide erscheinenden Elemente gekonnt und wirkungsreich, und somit erfolgreich, in einen ernst gemeinten Horrorfilm verpackt bekommen hat.

„Halloween 3“ mag nicht das sein, was der Fan sich einst erhoffte, und massentauglich ist er schon mal gar nicht. Aber für Freunde, die sich ungewöhnlicher Stoffe auch ohne Trash-Denken nähern können, werden auf einen überraschend gelungenen Film stoßen, von dem mir in dieser Art kein vergleichbarer einfallen will. Schon wenige Jahre später wäre solch ein Werk nicht mehr denkbar gewesen. Die Inszenierung spricht die typische frühe 80er Jahre-US-Horror-Sprache, in welcher noch ein Hauch 70er-Atmosphäre mitatmen durfte. Eine solch hanebüchene Story in solch einem wirkungsreichen Gewandt zu erleben, rein von dem Spannungsbogen der Ermittlungen der Hauptfigur lebend, habe ich in solch einer konsequent ernsten und pessimistisch erzählten Art noch nicht erlebt.


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Sonntag, 26. März 2017

GHOST IN THE SHELL 2 - INNOCENCE (Inosensu: Kôkaku kidôtai 2004 Mamoru Oshii)


Es sind einige Jahre vergangen, seit Batous Roboterpartnerin Major mit dem Puppet Master zusammenfloss und im Netz verschwand. Batou, mittlerweile selbst mehr Maschine als Mensch, erhält den Auftrag einer Mordserie nachzugehen, in welcher Testversionen von Liebescyborgs erst ihre Besitzer und dann sich selbst umbringen...


Puppen weinen nicht...

Der deutsche Schriftzug zu Anfang scheint im Original nicht vorhanden zu sein, zumindest vermute ich dies aufgrund fehlender japanischer Texte diesbezüglich, und soll dem deutschen Publikum scheinbar dabei helfen das zu verstehen, was der Film in seiner ersten halben Stunde ohnehin leicht verständlich vermittelt. Das ist zwar traurig, aber aufhängen will ich mich daran nun auch nicht. Dass „Ghost in the Shell 2“, der neun Jahre nach Teil 1 entstanden ist, ein wuchtiges, optisches Erlebnis werden wird, beweist er auch gleich mit seiner ersten Einstellung, in welcher wir ein Flugobjekt vor die Nase gesetzt bekommen, das einen animationstechnisch tatsächlich zum Staunen bringt.

Es bereitet eine ungemeine Freude die optischen Reize des Streifens ganz bewusst wahrzunehmen, geradezu in einen Rausch zu verfallen, das Zusehen zu zelebrieren und die verschiedenen Animationsstile aus Hintergrundgrafik und Figurendesign in sich aufzusaugen. Diesbezüglich ist „Ghost in the Shell 2 - Innocence“ ein Leckerbissen pur, ein Festmahl, kurzum etwas ganz Besonderes. Dass er zudem tastsächlich auf den Geschehnissen des Vorgängers aufbaut und somit nicht nur im Titel eine Fortsetzung ist, weiß ebenso zu erfreuen.

Etwas gewöhnungsbedürftig ist das Design der Zukunftswelt ausgefallen. Ebenso wie im direkten Vorgänger, so sind auch hier die Parallelen zu der Zukunftswelt aus „Blade Runner“ noch immer deutlich zu erkennen. Allerdings beschert man ihnen einen 40er Jahre Film Noir-Touch, was durch schwermütige Soulmusik unterstützt wird. Die Parallelen passen. Batou ist zwar Mitglied einer Spezialeinheit und kein Polizist oder Privatdetektiv, aber sein Gefühlszustand ist ähnlich schwermütig wie das Gesamtbild um ihn herum und somit wie das Klischee der Protagonisten aus Kriminalgeschichten, die in besagtem Jahrzehnt spielen.

Batou leidet immer noch unter dem Verlust seiner Partnerin Major und lebt einsam, ohne wirkliches Privatleben, einzig für den Job den er ausübt. Darin ist er gut wie eh und je, was er in allerhand Actionszenen unter Beweis stellen darf. Und dass man ihm einen Menschen als Partner zur Seite stellt, ist in vielerlei Hinsicht förderlich für die Geschichte, aber gerade auch ein interessanter Gegenpol zum vorherigen, perfekt agierenden, Partner.

Aus der Film Noir-Welt wird im Laufe der Zeit eine brüchige, rostende, gar nicht so strahlende Zukunftswelt, wie sie einem vielleicht trotz der realistischen Settings diesbezüglich, die aus der Elektrowelt keine perfekte Scheinwelt machten, zunächst vorkam. Das wird in sofern verstärkt, als dass der Film in dieser Phase in einem vergessenen, gesetzlich strittigen Grenzraum spielt. Zu Beginn des letzten Drittels wandelt sich der Spielorte in virtuelle Scheinrealitäten, und zum Schluss darf das Innere eines U-Bootes als Ort der Handlung herhalten.

Die scheinbare Tiefe des Streifens scheint sich stets an den Spielorten zu orientieren. Die verspielte 40er Jahre-Welt wird unterstützt durch verspielte, aber geistreiche Denkansätze. Die rostige Elektrowelt wird begleitet durch schwermütige Poesie, die gerne mehr Tiefsinn beinhalten würde, als sie nach außen vorgibt. Und in der virtuellen Realität angekommen, spinnt auch die Philosophie und die Poesie des Streifens fleißig vor sich her, bierernst vorgetragen und doch fast nur leeres Getue vortragend. Schade! In der tristen Realität des Inneren eines U-Bootes angekommen, werden auch die Denkansätze wieder nachvollziehbarer und realistischer, sind aufgrund eines actionreichen Finales aber nicht mehr so dominant gesät wie zuvor.

Qualitativ erlebt die Geschichte von „Innocence“ (Alternativtitel) somit einige Aufs und Abs, so dass es dem Film gut tut über eine solch unterhaltsame und kurzweilige Handlung zu verfügen, um inmitten Tiefsinn vorgaukelnden Leergeschwätzes nicht in bedeutungsloses Absurdistan abzudriften. Schade ist es um einige wirklich geglückte Denkansätze, oft Fortführungen des Originals, und manch tatsächlich bewegendem, poetischen Sinnbildes.

Aber aus fast schon selbstverständlich fließenden Denkansätzen aus Teil 1 wird ein zu gewolltes Unterfangen mit zu bemühten Anflügen von Tiefsinn, die zum Gegenteil dessen werden was sie sein möchten. Damit ähnelt die Fortsetzung des großartigen Erstlings „Matrix 2“, der diesbezüglich „Matrix“ nicht nur nicht das Wasser reichen konnte, sondern elendig ersoff. Da die Filme thematisch und zeitlich nah beieinander stehen, ist der Vergleich umso spannender, auch wenn „Ghost in the Shell 2“ dank beibehaltender Restintelligenz nicht wirklich derart absäuft, wie es die erbärmlichen „Matrix“-Fortsetzungen taten.

Dem Gesamtbild schadet es leider dennoch, wäre aus „Inosensu: Kôkaku kidôtai“ (Originaltitel), den ebenfalls wieder Mamoru Oshii inszeniert und basierend auf der Manga-Vorlage geschrieben hat, doch sonst ein ebenso großer Vorzeigefilm geworden, wie es Teil 1 geworden ist. Aber wenn sich der Film in virtuelle Realitäten verirrt und dabei eine Puppenphilosophie frönt, der man kaum zuhören mag, geht auch das Besondere an „Ghost in the Shell 2“ kaputt. Selbst die Geschichte lässt in dieser Phase im direkten Vergleich nach, wird sie doch schwächer, wenn auch interessant bleibend, so dass der Film auf allen Ebenen, abgesehen von der optischen Brillanz, seinen Vorzeigestatus verliert, der den Film zu einem weiteren Meilenstein hätte werden lassen können.

So hart diese Worte auch klingen mögen, abgestiegen vom hohen Ross des ersten Teils wohnen wir trotzdem noch einem interessanten Zeichentrickfilm bei, der einiges was er auf intellektueller Ebene vergeigt mit mehr Gefühlstiefe bei den Charakteren wieder aufzufangen weiß. Das macht den chaotischen Beginn des letzten Drittels zwar nicht weniger verwirrend und schädigend für den Film, verhilft ihm aber dabei genügend Sehwert zu behalten, um aus „Ghost in the Shell 2“ mehr als unterhaltsamen Durchschnitt werden zu lassen. Teil 2 kann in Konkurrenz mit seinem Vorgänger nur verlieren, ist für sich gesehen trotz seiner Schwächen aber noch immer ein überdurchschnittliches Werk, wenn auch nicht an die wahren Größen des erwachsenen Anime-Bereiches heranreichend, so wie es „Jin-Roh“, „Akira“, „Wings of Honeamise“ und "Paprika" schafften, oder eben auch der erste „Ghost in the Shell“.


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FANTÔMAS - IM SCHATTEN DER GUILLOTINE (Fantômas - À l'ombre de la guillotine 1913 Louis Feuillade)


Der Meisterdieb Fantômas geht um und hat es jüngst geschafft einer Gräfin ihren Schmuck zu entwenden. Nun ist es Kommissar Juve gelungen den Dieb und Mörder zu fassen, so dass dessen Hinrichtung kurz bevor steht. Aber Fantômas gelingt es mit einem Trick sich diesem Schicksal zu entziehen...


Der Dieb mit der Visitenkarte...

Die Novelle um den Meisterdieb, der in allerlei Verkleidungen schlüpft, erfuhr in der Welt des Films sehr früh seine erste Umsetzung. 1913 startete die bis 1914 zum Fünfteiler herangewachsene Fantômas-Reihe, beginnend mit dem hier besprochenen „Fantômas - Im Schatten der Guillotine“. Was in den 60er Jahren auf herumalbernde Art eine Abrechnung mit dem Gebiet der Superschurken, wie wir sie aus den James Bond-Filmen kennen, werden sollte, ist in den Anfängen des Kinos noch ein schlichtes Katz- und Mausspiel zwischen Gesetz und Verbrechen, fällt doch selbst der Aspekt der Tarnung des Verbrechers noch schlicht aus, indem er falsche Bärte und Perrücken anstatt kunstvoll geformte Masken verwendet.

Es beginnt aber auch so schlicht, da wir uns am Anfang der Geschehnisse befinden. Fantômas ist zwar ein bekannter Verbrecher, aber einer dessen Grenzen man noch nicht kennt, lebt man hier doch tatsächlich noch im Glauben, mit der Festnahme des Schurken wäre der Spuk vorbei. Erst wenn Fantômas fliehen kann und Juve es haarscharf schafft jemand Unschuldiges vor der Guillotine zu bewahren, der wie Fantômas zurecht gemacht war, beginnt die Obsession für den Gesetzeshüter. Von nun an wird er einzig dafür leben Fantômas hinter Gittern zu kriegen, wissendlich es mit einem besonders gerissenen Gegner zu tun zu haben.

Ich kenne die literarische Vorlage nicht. Im hier besprochenen Film besitzt Fantômas kein kriminelles Netzwerk, wie in den 60er Jahre-Komödien mit Louis de Funès, zumindest kein sehr großes. Seine Helfer müssen Polizisten bestechen, damit Fantômas überhaupt erst fliehen kann. Was passiert wäre, wenn diese nicht bestechlich gewesen wären? Dann wäre es vorbei gewesen mit dem Superverbrecher ehe es wirklich begann. Ob er in Zukunft seine Mittelsleute bereits bei der Polizei eingeschleust hat, weiß ich nicht, das wäre aber ratsam, damit sein Tun nicht zu sehr nach Zufall aussieht wie jetzt noch im ersten Film.

Letztendlich ist „Fantômas“ (Alternativtitel) ein simpler Kriminalfilm mit einem Täter, der Visitenkarten mit Tricktinte hinterlässt (sein Name erscheint auf den Kärtchen erst nach einer kurzen Zeit) und der Verkleidungen benutzt, jedoch nicht wie in späteren Verfilmungen, um seine Identität zu wahren, die ist durch die Festnahme schließlich gelüftet, aber sehr wohl um zu täuschen.

Wie ein Phantom sieht der Täter dann erst in einer Traumsequenz des Kommissars aus, innerhalb einer Schlussszene, welche den einzigen wirklichen Spezialeffekt des Streifens präsentiert. Juve rennt auf Fantômas zu, ergreift ihn, aber der Körper Fantômas‘ verpufft, da er nur Einbildung war, so dass der Kommissar plötzlich niemanden mehr im Griff hält. Fandor, Juves Partner aus dem Zeitungswesen, wird hier noch sehr klein gehalten, ist für den Ablauf der Geschichte nicht sonderlich von Bedeutung, aber zumindest ist er bereits mit dabei. Insgesamt ist „Fantômas - In the Shadow of the Guillotine“ (Alternativtitel) ein recht gewöhnlicher Kriminalfilm geworden, aber auch einer der zu unterhalten weiß. Nicht jeder Stummfilm muss gleich ein legendärer Meilenstein des Kinos sein.


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Samstag, 25. März 2017

DICK TRACY (1990 Warren Beatty)


Der Mafiaboss Big Boy bekommt die anderen Verbrecherorganisationen seiner Stadt dazu überredet als große Gemeinschaft unter seiner Herrschaft zu kooperieren. Der gewissenhafte Polizist Dick Tracy ist ihm bei seinen Vorhaben stets ein Dorn im Auge...


Der Gesichtslose mischt mit...

„Dick Tracy“ gehört zu den heftigsten Kino-Flops seiner Zeit. Im Gegensatz zu Werken gleichem Schicksals, so wie „Waterworld“ oder „Howard - Ein tierischer Held“, von denen man im Vorfeld hätte wissen müssen, dass solch ein schundiges Vorhaben nur untergehen kann, hat der von Warren Beatty inszenierte Film sein Schicksal nicht verdient, schafft er es doch tatsächlich den zu Grunde liegenden Comic Fleisch werden zu lassen mittels kunterbunter Kostüme, den am Comic orientierten Masken, überdrehten Kulissen und dem Mut das Abenteuer nicht in die Gegenwart zu transferieren, sondern es wie gehabt in einer alternativen Realität der 20er bis 40er Jahre spielen zu lassen.

Vielleicht ist dies der Grund dafür, warum das Publikum Probleme mit dem Film hatte, vielleicht ist es auch die an „Derrick“ erinnernde zurückhaltende, fast charakterlose Art des Titelhelden. So oder so schaut sich „Dick Tracy“ keineswegs massentauglich, ein Liebhaberstück für ein Randpublikum ist er aber sehr wohl geworden, das hätte man von Produzentenseite aus vielleicht von Anfang an anvisieren sollen, um finanziell nicht derart unterzugehen. Der Stoff, der schon in den 30er, 40er und 50er Jahren mal in Spielfilmform und mal im Seriengewandt umgesetzt wurde und in den 60er Jahren zudem eine Zeichentrickserie erfuhr, ist recht skurril ausgefallen, bietet bis auf seine schrulligen Figuren keine weiteren Humorelemente und steuert ansonsten lediglich eine klassische Kriminalgeschichte gegen eine Mafiaorganisation an.

Es ist nicht nur den Kostümen und Settings zu verdanken, dass der Film trotz dieser gut versteckten, simplen Krimi-Geschichte zu gefallen weiß. Es ist der Mangel an Modernisierung, der „Dick Tracy“ innerhalb dieser Rezeptur so stimmig werden lässt, wird an dem klassischen Gut-Böse-Schema von einst doch nicht herumgeschraubt. Tracy ist loyal, unbestechlich und immer auf der Seite der Guten. Dass er das Gesetz selbst öfter bricht anstatt es lediglich zu dehnen, wird nicht kritisch hinterfragt, dient es doch dem guten Zweck. Ebenso werden männliche Fehltritte von Seiten der Frauen aus verziehen, ohne dass von Männerseite aus Worte der Entschuldigung nötig wären. Willkommen in den 40er Jahren!

Namhafte Stars konnten für das Projekt gewonnen werden. Urgesteine wie James Caan sind ebenso mit an Bord wie aktuelle Stars wie Al Pacino und Dustin Hoffman. Und für die zwielichtige, weibliche, große Nebenrolle konnte Sängerin Madonna gewonnen werden, die erst gar nicht zu schauspielern braucht, ist sie doch mit dabei um zu singen und den Tracy zu verführen, so dass sie quasi das machen muss, womit sie berühmt wurde: sexy sein und Lieder trällern. Letzteres weiß sie gekonnt zu meistern, ersteres haut bei ihrem hübschen Aussehen meistens hin, wirkt manches Mal aber auch zu bemüht und würdelos, billig darauf abzielend Männer könnten den Verführungskünsten dieser Frau nicht widerstehen.

Im Film wird es so dargestellt, als ob es eine Art Superkraft Tracys wäre ihr zu widerstehen, das ist dann aber auch der einzig unfreiwillig komische Aspekt einer Geschichte, die ansonsten abenteuerlich und faszinierend zu verfolgen ist. Wer keine Kinder in solchen Filmen mag, wird Probleme mit „Dick Tracy“ haben, spielt ein Knabe hier doch nicht nur eine größere Rolle, er soll zudem je nach Szene absichtlich nerven, so dass er dieses Ziel sicher auch bei so manchem Zuschauer erreicht. Ich empfand ihn manchmal als grenzwertig, manchmal als bereichernd, ein wirklicher Gewinn für die Geschichte ist der Junge jedoch nicht.

Viel wichtiger hingegen ist jedoch die im Raum schwebende Love Story, da sie der einzige Aspekt ist, der Dick Tracy Leben einhaucht. Erst die Liebe zur Frau macht ihn zum Menschen, wärend er ansonsten der charakterlose, stets zu Diensten agierende Kriminalist ist, der weder Gefühlsregungen, noch persönliche Interessen in seine Arbeit einfließen lässt. Dass die Arbeit sein Leben ist, wird zum Konflikt zwischen ihm und seiner Angebeteten, so dass die klassische Heldentragik, wie wir sie auch aus „Spider-Man“ und Co kennen, Früchte tragen kann. Der bewegendste Moment ist meiner Meinung nach ein stiller, für die meisten Menschen unbedeutender. Selten klang ein „Danke“ so gefühlvoll, ehrlich und bewegend wie in jener Szene, in welcher Tracy es zur Femme Fatale Madonna sagt, kurz nachdem sie ihm einen Hinweis gab wo sich die entführte Geliebte des Polizisten befindet.

Warren Beatty entfacht an vielen Stellen des Filmes ein wahres Actionfeuerwerk, ein Element welches ich in diesem Film gar nicht so stark vertreten vermutet hätte, so klassisch wie hier Krimi und Comic zelebriert werden. Aber es weiß zu wirken, zumal besagte Szenen nicht dominieren und stets den Zweck des Mehrwertes erfüllen, um die Geschichte voran zu treiben. Es mag „Dick Tracy“ der letzte Schliff zum wahrlich großen Filmerlebnis fehlen, aber ein gelungenes Stück andersartige Comicverfilmung ist er definitiv geworden, so dass er damit gerade in heutigen Zeiten ewig wiederkehrender Superhelden in sich ähnelnden Filmen eine Wiederentdeckung wert ist. Im Gegensatz zu manch anderen verkannten Werken ihrer Zeit, ist „Dick Tracy“ leider auch im Nachhinein auf VHS und DVD kein erfolgreicher Geheim-Tipp geworden.


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BAD NEIGHBORS 2 (Bad Neighbors 2 - Sorority Rising 2016 Nicholas Stoller)


Nachdem Mac und Kelly ihr Haus verkauft haben, kann der neue Besitzer 30 Tage lang überraschend vorbei kommen, um zu sehen ob mit dem Objekt alles okay ist. Falls nicht kann er den Kauf rückgängig machen. Ausgerechnet in dieser Phase des Verkaufs zieht nebenan eine Studentenverbindung ein. Im Versuch die Studentinnen von wilden Partys abzuhalten, entbrennt ein Krieg der Nachbarschaft, an welchem auch Macs und Kellys ehemaliger Erzfeind Teddy beteiligt ist...


Dildos als Kinderspielzeug...

Bereits „Bad Neighbors“, der erste Teil des hier besprochenen Streifens, war lediglich eine nette kleine Routine-Komödie ohne nennenswerte Höhepunkte, solide inszeniert, aber bis auf winzige Elemente überraschungsfrei und vorhersehbar erzählt. Wie zu erwarten ist das Ergebnis in „Bad Neighbors 2“ nicht anders ausgefallen. Dass ich mich trotzdem relativ früh nach Erscheinen der DVD an die Fortsetzung herangewagt habe, liegt am Mitwirken von Chloë Grace Moretz, die ich für eine der talentiertesten Jungdarstellerinnen halte, die Amerika zur Zeit zu bieten hat. Wie gut der Star aus „Kick-Ass“, „Let Me In“ und „Carrie“ schauspielern kann, fällt in Nicholas Stoller Film, an welchem auch Hauptdarsteller Seth Rogen mitgeschrieben hat, jedoch kaum auf.

Das ist sehr schade. Erst kürzlich in „Die Wolken von Sils Maria“ durfte Moretz ihre Vielseitigkeit und ihr Können in einem Art House-Stoff unter Beweis stellen, und unter der Fuchtel von Seth Rogen wusste sich „Harry Potter“-Star Emma Watson in „Das ist das Ende“ mit nur einem kleinen Gastauftritt gekonnt zu emanzipieren. Dass dies in der viel größer angelegten Rolle Moretz‘ in „Bad Neighbors 2 - Sorority Rising“ (Originaltitel) nicht ebenfalls der Fall ist, liegt an der oberflächlich gezeichneten Charakterisierung. Zwar wird ihre Rolle als Kämpferin gegen den Sexismus dargestellt, letztendlich verkörpert sie aber nur das übliche Party-geile Teenie-Mädchen, wie man es in jeder x-beliebigen Teenie-Komödie zu sehen bekommt.

„Bad Neighbors 2“ soll ein kurzweiliger Partyfilm sein, deswegen ist dies nicht wirklich hinderlich für den Unterhaltungswert des Streifens, es verkauft die sympathische Schauspielerin damit lediglich unter Preis. Interessant an der Herangehensweise Stollers ist die Perspektive aus welcher der zweite Teil erzählt ist. Waren trotz diverser Abstecher ins Lager der Studenten Mac und Kelly die Stars des ersten Films, beleuchtet die Fortsetzung das Treiben der Girlies ein wenig intensiver. Einige Zeit lang beschäftigt sich der Streifen intensiver mit ihrer Seite als mit jener der Helden aus Teil 1. Damit bekommt „Bad Neighbors 2“ tatsächlich einen gewissen Teenie-Komödien-Touch.

Da der Film insgesamt nichts Neues zu erzählen hat, hat die Erwachsenenseite, die gerne jünger wäre als sie ist, ihr Alter aber akzeptieren muss, dem wilden Treiben der Mädels nicht viel entgegenzusetzen, wirkt damit gehaltloser, so dass die Teenie-Perspektive dominiert. Erst in der letzten halben Stunde besinnt man sich dessen was man eigentlich mitteilen möchte, und lenkt damit wieder auf die Seite der Erwachsenen, die, wie schon in Teil 1, mit Hilfe eines entgegenkommenden Kompromisses als Sieger vom Platz laufen.

Mit „Bad Neighbors“ verhält es sich ähnlich wie mit der „Ted“-Reihe. Innovativ und böse sieht anders aus, und ich kann jeden verstehen der auf diese Komödien schimpft, die nur das Grundlagenprogramm abarbeiten und keine wirklich großen Lacher, Kreativität und Überraschungen zu bieten haben. Als solide Routine-Kost gehen sie aber beide für mich in Ordnung, die beiden Rogen-Filme sogar mehr als die Vergleichsreihe mit Mark Wahlberg, ist mir der Hauptdarsteller seit meiner ersten Begegnung mit ihm in „Shopping-Center King“ doch einfach ursympathisch. Und dass er auch noch zusammen mit Chloë Grace Moretz in einem Film auftaucht, ist für mich wie ein verfrühtes Weihnachtsgeschenk und rettet mir somit solch einen durchschnittlichen Stoff, in Kombination mit einer soliden und flotten Inszenierung. Einfallsreich sieht anders aus, aber Langeweile bekämpft der Streifen trotz seinem braven Einhalten gängiger Erzählregeln recht ordentlich.


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DIE REISE INS ICH (Innerspace 1987 Joe Dante)


Der Pilot Tuck Pendelton nimmt an einem Miniatisierungsexperiment teil, in welchem er in einer Art Raumschiff sitzend auf Sandkorngröße geschrumpft wird, um in den Körper eines Kaninchens gespritzt zu werden. Kurz nach erfolgreich vollendeter Miniaturisierung wird das Labor jedoch von Industriespionen überfallen. Der Leiter des Projektes kann die Spritze, in der sich Tuck befindet, gerade noch retten und spritzt sie auf der Flucht vor den Ganoven aus Verzweiflung in den Körper des Supermarktangestellten Jack Putter, bevor er tot zusammen bricht. Nachdem Tuck erkannt hat was passiert ist, versucht er Kontakt zu Jack aufzunehmen, doch der hat bereits ohne einen Mann in seinem Inneren genug psychische Probleme...


Der Cowboy lässt die Stiefel an...

Ich war 12 Jahre alt, als ich „Die Reise ins Ich“ seinerzeit im Kino sah. Ich kannte den Quasi-Vorgänger „Die phantastische Reise“ noch nicht, wusste zuvor auch nicht in welchen Film mich meine Familie mitgenommen hatte, war aber schnell begeistert von der abenteuerlichen Geschichte, welche die Phantasie eines Jungen nicht nur mit der Miniaturisierungsidee anzuregen wusste, sondern auch mit manch anderem verspielten Gimmick. Wie süß Meg Ryan in ihrer Rolle wirkt, habe ich erst Jahre später entdeckt, als Ryan durch ihre Dauerpräsenz in romantischen Komödien zu einer Berühmtheit wurde. Schon zuvor gab es etliche weitere Sichtungen des Stoffes auf VHS. Und wie das so ist, wenn man sich lange Zeit mit dem Medium Film beschäftigt, so werden die Pausen auch bei vielgesehenen Liebhaberstücken aus der Jugend zwischen den einzelnen Sichtungen immer größer.

Vor zwei bis drei Jahren packte ich ihn nach einer Sehpause von etwa 10 Jahren wieder aus, und ich war überglücklich dass mich Joe Dantes zu Unrecht etwas untergegangenes Werk noch zu unterhalten wusste. „Die Reise ins Ich“ ist nicht nur ein familientaugliches, abenteuerliches Erlebnis mit allerhand Schauwerten, er ist zudem noch jene Kunstform massentauglicher Familienunterhaltung, die Anfang der 90er Jahre irgendwann in Hollywood verloren gegangen ist. „Innerspace“ (Originaltitel) ist solch ein unverkrampftes Stück Popkorn-Kino, frei von Zuschaueranbiederungen und mit Blick auf interessante, wie liebenswürdige Charaktere, sowie auf eine intelligente, abwechslungsreiche Geschichte, dass das Sichten für Erwachsene nicht nur zum müde lächelnden Kompromiss wird, wenn man den Kindern zuliebe einen Familienfilm guckt, sondern für Alt wie Jung zu einem wahrhaften Seherlebnis wird. Das war Grund genug für mich ihn zwei Jahre später erneut zu sichten, um ihn ein paar Freunden zu zeigen.

Der Humor ist reichhaltig, aber nicht übermäßig vorhanden, gesund auf die Gesamtlänge verteilt und die Gags hierfür sicher und gekonnt gesetzt. Der Spannungsbogen kann sich für einen familienfreundlichen Film sehen lassen, die Action wird recht weit zurückgeschraubt und konzentriert sich eher auf Verfolgungsjagden oder kleinere Kämpfe. Gut aufgelegte Schauspieler sorgen innerhalb einer Geschichte, die stets mehr als das nötige Grundprogramm liefert, mit ihrer spürbaren Spielfreude für den nötigen Schliff, und fertig ist ein Filmerlebnis, das sich vor den bekannteren Namen seiner Zeit, wie „Zurück in die Zukunft“ und „Falsches Spiel mit Roger Rabbit“ kaum verstecken braucht. „Die Reise ins Ich“ mag nicht ganz an diese Vergleichsfilme heranreichen, aber er ist sehr nah dran und damit weitaus besser als viele andere Konkurrenzprodukte, ob nun aus den 80er Jahren oder von heute.

Freilich sieht man Dantes Werk die 80er Jahre an, aber sie kommen sympathisch anstatt lächerlich daher, und auch der Soundtrack greift auf angenehme Vertreter der Musik dieser Zeit zurück, und nicht auf die unangenehmen, geschmacklichen Entgleisungen. Zudem ist die Musik nicht nur aus besagtem Jahrzehnt gewählt, und die eigens für den Film komponierte Hintergrundmusik plätschert eher beiläufig, wenig aufregend komponiert im Hintergrund vor sich hin. Mir ist es lieber wenn eine solche mittelmäßig und unauffällig ausfällt, als wenn sie imposant und aufdringlich komponiert ist, so als müsse der Zuschauer erst darauf aufmerksam gemacht werden, etwas Aufregendem beizuwohnen.

Solche Manipulationen hat „Die Reise ins Ich“ nicht nötig, der, wie typisch für seine Zeit, mit handgemachten Spezialeffekten zu begeistern weiß. Die Innenaufnahmen von Jacks Körper sind mit viel Liebe zum Detail umgesetzt, und Dante beherrscht die gekonnte Mixtur diese effektvoll, zum Staunen einladend einzuführen, ohne aus seinem Werk gleich ein reines Effektspektakel zu zaubern. Ebenso wie der Humor- und Abenteuergehalt, so stimmt hier auch bei den Effekten die Gewichtung. In dieser von Steven Spielberg produzierten Science Fiction-Komödie wird jeglicher Bereich durchdacht und mit Respekt angegangen, unterhaltsam umgesetzt ohne verkopft daher zu kommen, aber schlau genug geschrieben, Zusammenhänge, die Psychologie von Charakteren und die Auswirkungen von kleinen wie großen Situationen begreifend.

Alles hat sich der Geschichte und den Charakteren unterzuordnen, während sich die Verantwortlichen des Streifens gleichzeitig den Spaß gönnen, immer wieder verspielte Nebensächlichkeiten einzubauen, welche die Geschichte nicht nötig gehabt hätte. Dies schafft man ohne Längen hervorzubringen, ganz im Gegenteil fühlen sich diese Entgleisungen als Teil der Handlung an und sind somit fast schon unauffällig in den flotten Sehspaß integriert.

„Die Reise ins Ich“ ist noch kein Formelkino der großen Studios, wie wir es von den heutigen Blockbustern kennen, auch wenn er auf die Erfolgserkenntnisse seiner Zeiten gezielt setzt. Peinlichkeiten werden stets umschifft, moralische und kitschige Aspekte treten nicht einmal kurz angedeutet auf, und die Love Story wird unterstützend integriert, klein gehalten, aber wirkungsreich. Kurzum ist „Die Reise ins Ich“ ein ideale abenteuerlicher, mit Spezialeffekten angereicherter Unterhaltungsfilm, wie er in dieser entspannten, den Zuschauer nicht erziehen wollenden, Art auch nur in den 80er Jahren entstehen konnte. Vor den Größen seiner Zeit braucht er sich nicht verstecken.


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Donnerstag, 23. März 2017

DER FROSCH MIT DER MASKE (1959 Harald Reinl)


Seit einigen Jahren erpresst, klaut und mordet sich der Frosch mit seiner immer größer werdenden Verbrecherbande durch London. Nun hat Inspektor Elk erstmals eine Spur, und die führt in die zwielichtige Lolita-Bar...


Wenn die Jukebox warnt...

Erst 25 Jahre nach der Komödie „Der Doppelgänger“ sollte es wieder eine deutsche Kinoproduktion zu den Vorlagen von Edgar Wallace geben. 1959 startete „Der Frosch mit der Maske“, der gleich als erster einer als Serie anvisierten Kinoreihe produziert wurde und bereits Joachim Fuchsberger und Eddi Arent als spätere Stamm-Stars besagter Filme mit an Bord hatte. Auch unter den Goldmann Taschenbüchern, auf welche sich die Filme beziehen, war der Roman „Der Frosch mit der Maske“ die erste Veröffentlichung, und diese bietet auch gleich einen „Dr. Mabuse“-ähnlichen Täter, der eine große Verbrecherbande auf die Beine stellt, ohne dass je wer die Identität des Anführers wüsste.

Da Harald Reinls Start der Wallace-Reihe noch recht ernst umgesetzt ist, darf ein solcher Schwerverbrecher noch düster und damit wirklich bedrohlich wirken. Nicht einmal sein Kostüm sieht in irgendeiner Weise affig aus, eher zweckdienlich und damit ideal passend zu einem Mann, der seine Verbrechen wohlüberlegt tätigt. Arent, der zum Humorhighlight der Reihe werden sollte und hier bereits in einem Schlusskommentar und in seiner augenzwinkernden, da übertriebenen, Butler-Art erstmals auf diese Rolle hinsteuert, wenn auch noch in keinster Weise klamaukig, tritt hier ungewohnter denn je auf, mehr noch als im Folgefilm „Der rote Kreis“, der ebenfalls noch eine ernste Herangehensweise erfuhr. Neben dem taffen Fuchsberger agierend, darf er Verbrecher vermöbeln, also auf ganz andere Art aktiv werden als in späteren Beiträgen, und das besitzt einen reizvollen Sehwert.

Die an sich noch tief bieder in den 50er Jahre badende Produktion, wird ein wenig aufgebrochen mit der Figur die Joachim Fuchsberger verkörpern darf, ein Millionär, der aus Langeweile Verbrecher fängt. Das erstaunliche an „Der Frosch mit der Maske“ ist jedoch, dass er auch die moderneren Aspekte noch stockbieder präsentiert. Der pseudo-Hauch Erotik, der anonyme Superverbrecher mit seiner großen Gefolgschaft, die Love Story, die Zwielichtigkeit des Millionärs, das alles atmet noch nicht die 60er Jahre-Luft, welche der Wallace-Reihe das gewisse Etwas verschaffte, und dies immerhin zu den Anfängen der 60er Jahre, als die Konkurrenz noch in den 50er Jahren zu Hause war.

Damit schaut sich „Face of the Frog“ (Alternativtitel) wie ein Außenseiter der eigenen Reihe, weiß doch selbst der direkte Nachfolger, trotz seiner großteils nüchternen Erzählmethode, weit weniger bieder zu wirken, als es der hier besprochene Film noch tut. Allerdings verleiht dies Reinls Werk auch einen gewissen Außenseiter-Charme, zumal die Geschichte selbst keineswegs zu langweilen weiß. Wallace hat aufregendere Verfilmungen erlebt, aber bereits der Einstieg in die Reihe kann sich sehen lassen, vorausgesetzt man findet auch Gefallen an einem trocken erzählten, klassischen Kriminalfilm, der ohne irgendwelche Gimmicks auskommt. Das Schrillste was es hier zu erleben gibt sind die Rolle des Butlers, der Millionär und der im Froschkostüm agierende Gegner. Der Rest folgt dem klassischen Muster des Genres.

Es ist schön, dass man Fritz Rasp als ehemaliges Ur-Gestein der 30er Jahre Wallacefilme für diesen Beitrag und einige Folgebeiträge gewinnen konnte, weiß er doch selbst in seiner hier recht klein ausgefallenen Rolle zu überzeugen, mimt Rasp hier doch einen Chef, den man wahrlich nicht zum Vorgesetzten haben möchte. Fast möchte ich von unheimlich sprechen, wenn ich ein Adjektiv für seine Darbietung suche. Siegfried Lowitz darf den ermittelnden Inspektor spielen, was auch nie ein Fehler sein könnte, so sympathisch wie dieser Mensch noch in jeder Rolle wirkte, selbst dann wenn er, wie in „Der Greifer“, auch einmal den Fiesling spielen durfte.

„Der Frosch mit der Maske“ hat auf Seiten der Schauspieler, zumindest bei den männlichen Parts, somit so einiges zu bieten, und dies zusammen mit der Mabuse-ähnlichen Geschichte sorgt für einen Film, den man als Cineast ruhig einmal gesehen haben sollte, auch wenn das Werk aufgrund seiner biederen Ader eigentlich noch nicht von dem Ruhm zehren darf, den sich die Reihe erst im Laufe der Zeit erarbeitet und auch definitiv verdient hat. Aber gerade weil „Fellowship of the Frog“ (Alternativtitel) im Vergleich so anders ausgefallen ist, ist er ein interessanter Blick darauf, was aus solch einem klassischen Start gedeihen kann. Freilich besitzt der Streifen auch ohne die Vergleiche zu den Folgefilmen genügend Unterhaltungswert.


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Dienstag, 21. März 2017

DER ROTE KREIS (1960 Jürgen Roland)


Der rote Kreis ist ein Meisterverbrecher, den Scotland Yard seit längerer Zeit erfolglos verfolgt. Deswegen erhält Chefinspektor Parr Unterstützung von Privatdetektiv Yale, welcher der Polizei schon in so manchen Fällen eine Nasenlänge voraus war...


Die Strickmarkierung...

Der zweite Film der legendären deutschen Edgar Wallace-Reihe der 60er Jahre ist gleich einer meiner liebsten Filme der Serie, was nicht zwingend daran liegt, dass er als früher Vertreter der Reihe noch so anders gestrickt ist als die meisten der Folgewerke, aber ich muss zugeben dass selbst dies den Film angenehm aufwertet, auch wenn ich gegen das eher typische Rezept der Wallace-Hochphase beileibe nichts einzuwenden habe. Dennoch schaut sich „Der rote Kreis“ im direkten Vergleich angenehm ernst. Die Geschichte wird recht verschmitzt erzählt, aber eben nicht tatsächlich mit Witzchen aufgewertet. Das ist gerade deswegen interessant, weil bereits Eddi Arent mit an Bord ist, der seine Rolle zwar äußerst skurril anlegt, aber keinen anderweitigen Aspekt der Belustigung durchschimmern lässt.

Dass mir Jürgen Rolands erster von leider nur zwei Beiträgen zur Reihe so außerordentlich gut gefällt, liegt aber hauptsächlich daran, dass der Kriminalfall tatsächlich zu interessieren weiß. Die Geschichte packt den Zuschauer ganz von selbst, ohne irgendwelchen Budenzauber zu benötigen. Wie der rote Kreis vorgeht, wie der Kommissar vergeblich versucht die Identität zu lüften und wie nach einigen Zuschauertäuschungen die Wahrheit tatsächlich aussieht, das weiß alles zu gefallen. In der richtigen Ballance aus nüchterner Sachlichkeit und spannend inszenierten Momenten, weiß die erste Tonverfilmung des insgesamt drei mal verfilmten Wallace-Romanes sowohl zu unterhalten, als auch zu interessieren, ist der Zuschauer doch herzlich eingeladen mitzuraten wer sich hinter der Maske des Meistererpressers versteckt.

Wer gut aufpasst erkennt den roten Kreis bereits an der Stimme, die man von der ersten Szene an im Heute angekommen bereits vorgesetzt bekommt. Aber selbst wenn man deswegen, oder aufgrund anderer Hinweise, bereits zu früh weiß um wen es sich handelt, den Sehspaß verdirbt dies nicht, guckt sich die deutsch/dänische Zusammenarbeit doch im Wissen um den Täter, also auch bei einer zweiten Sichtung, so gut wie ohne, eben weil man den Missetäter in diesem Falle Schritt für Schritt dabei beobachten darf wie er täuscht, manipuliert und die Leute gegeneinander ausspielt.

Handwerklich professionell inszeniert und mit gut agierenden Mimen besetzt kann der Film somit ganz schlicht von seiner eigentlichen Geschichte leben, was die Stärke des hier vorliegenden Kriminalfalles um so deutlicher macht. Mag der Kommissar auch ein wenig altbacken wirken, er muss kein interessanter Charakter sein, um zu funktionieren, geht es doch einzig um seine Kombinationsgabe und vorgespielte Ahnungslosigkeit, so dass man den Mann hinter dem Beruf gar nicht erst kennen lernen muss. Zum alten Eisen gehört zudem Fritz Rasp, der bereits in den 30er Jahren in „Der Hexer“ und „Der Zinker“ mitgespielt hat, und im hier besprochenen Film erneut meisterlich agieren darf.

Interessant ist die weibliche Hauptrolle ausgefallen, die eine Einzigartigkeit in der Wallace-Welle darstellt, dient sie doch nur sehr leicht als Love Interesst und ist hauptsächlich eine der Polizei bekannte, zwielichtige Persönlichkeit, eine Art frühe Cat Women, von der man nie weiß wo ihr jeweiliger Vorteil liegt, also auch nicht weiß wo genau sie inmitten der vielen zwielichtigen Personen steht. Leider wird einiges davon in der letzten Szene wieder revidiert, und dies zudem noch auf unsinnige, wie unglaubwürdige Weise, aber bis zu diesem Zeitpunkt weiß die Andersartigkeit dieser wichtigsten weiblichen Rolle definitiv zu gefallen.

Neben diesem Schwachpunkt kann man höchstens noch jenen Fehler des roten Kreises zu den Schwächen der Geschichte zählen, mit dem er sich endgültig verrät, widerspricht es doch der durchdachten Art des Profi-Verbrechers, dass er sich solch einen dicken Fauxpas erlaubt. Dies wird aber zumindest dadurch wieder abgeschwächt, dass die anderen Dinge, die ihn ohne des Mitwissens des Zuschauers für den Ermittler verdächtig werden ließen, weit weniger grobe Schnitzer sind und raffiniert in den durchdachten Plot mit eingebunden wurden. Ich habe „The Red Circle“ (Alternativtitel) nun schon zum dritten Mal gesehen, und ich bin jedes Mal wieder von seiner Wirkungskraft beeindruckt.


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Montag, 20. März 2017

FANTOMAS BEDROHT DIE WELT (Fantômas contre Scotland Yard 1966 André Hunebelle)


Fantomas erpresst die reichsten Männer Englands um einen großen Teil ihres Vermögens. Im Schloss von Lord Rashley soll dem Schurken mit Hilfe von Reporter Fandor und Kommissar Juve in Kooperation mit Scotland Yard eine Falle gestellt werden...


Lord Fantomas...

Ging der erste „Fantomas“ aufgrund seiner Rachegeschichte noch recht schlicht mit seinen Möglichkeiten die Macht des Superverbrechers deutlich zu machen um, so holte man dies in der ersten Fortsetzung „Fantomas gegen Interpol“ nach und bescherte dem Zuschauer ein Feuerwerk an schrägen Gimmicks, eingetaucht in eine James Bond-ähnliche Parallelwelt. Dementsprechend ging ich guter Dinge an den ein Jahr später folgenden „Fantomas bedroht die Welt“ heran, suggeriert sein Titel doch, dass es ungefähr auf diesem Niveau weiter ginge. Aber weit gefehlt!

Fantomas begnügt sich nun damit Schutzerpresser wie die ollen Mafiaganoven in Amerika zu werden, und das ist schon weiter unter seinem Niveau angesiedelt. Nicht nur dass er diesmal solch schlichte, wenn auch gut bezahlte, Ziele verfolgt, auch das komplette Drumherum bleibt hinter seinen Möglichkeiten zurück, bietet der dritte Teil der Reihe doch lediglich ein Katz- und Mausspiel auf engem Raum, der seine Komik daraus zieht, dass der Zuschauer stets eingeweiht ist, im Gegensatz zu den Helden der Geschichte, deren Gewichtung leider vertauscht wurde.

Nicht nur dass Fandor nur recht wenig Spielzeit zugedacht bekommt (ähnlich wie Scotland Yard trotz des Originaltitels „Fantômas contre Scotland Yard“), selbst seine übliche Doppelrolle mitgerechnet kommt er nicht auf eine würdige Erstnennung im Vorspann, schlüpft der titelgebende Schurke doch meist in die Rolle von Lord Rashley, so dass Jean Marais an beiden Fronten weit weniger zu tun hat als in den beiden Vorgängern. Dafür rückt nun das Treiben von Louis de Funès mehr in den Vordergrund. Da man sich allerdings damit begnügt ihn vor Wut schnaubend, hektisch kommandierend einzufangen, innerhalb eines Szenarios in welchem Fantomas den Kommissar Glauben machen will, er wäre psychisch verwirrt, weiß das auch nicht so gut zu funktionieren wie in den Vorgängern.

Dass die Story kaum glaubwürdig ist und nur wenig Nutzen aus seinem Spielort England zieht (meist nutzt man nur die Spuk-Atmosphäre des Schlosses), mag eine verschenkte Möglichkeit sein, letztendlich ist es aber egal ob „Fantomas Against Scotland Yard“ (Alternativtitel) nun hier oder dort spielt. Die Geschichte orientiert sich fast einzig an der Maskeradenschau des Schwerverbrechers, und dies meist auch nur sehr einseitig. Ansonsten hat Teil 3 kaum Sehwerte zu bieten. Weder solch wundervoll inszenierte Verfolgungsjagden wie in Teil 1, noch so schräge Gimmicks wie in Teil 2 hat „Fantomas gegen Scotland Yard“ (Alternativtitel) vorzuweisen. Begnügen muss man sich mit einem ferngelenkten Bett, einem Hund im Fuchskostüm und einer Fluchtrakete.

Mit Teil 3 wurde zudem kein Schlussstrich gezogen. Die Welt hält Fantomas für tot, der Zuschauer weiß, dass dem nicht so ist, also hat man scheinbar mit einem Teil 4 spekuliert. Ob dieser nicht zustande kam, weil Teil 3 gegenüber seinen Vorgängern derart abfällt, weiß ich nicht, wundern würde es mich jedoch nicht. Es ist den liebgewonnenen Charakteren und dem simplen Rezept der Verwechslungen zu verdanken, dass sich André Hunebelles dritter Streich trotz alledem recht amüsant guckt. Ein müdes Lächeln wechselt sich immer wieder mit geglückten Momenten ab. Damit schliddert Teil 3 haarscharf an tatsächlicher Desinteresse vorbei. Im Vergleich zu Teil 2, den man wohl als den besten Teil der Reihe bezeichnen darf, ist dies trotz passablem Ergebnis somit trotzdem ein Totalabsturz.


Sonntag, 19. März 2017

FANTOMAS GEGEN INTERPOL (Fantômas se déchaîne 1965 André Hunebelle)


Fantomas möchte an die Erfindung eines Gerätes zur Gedankenkontrolle gelangen. Da er hierfür einen bestimmten Wissenschaftler entführen muss, beschließt der Reporter Fandor diesen zu doubeln, bewacht durch Kommissar Juve...


Was ein Jahr später geschah...

André Hunbelles „Fantomas“ war von Anfang an als Mehrteiler konzipiert, und gerade einmal ein Jahr nach dessen Veröffentlichung erschien die erste Fortsetzung „Fantomas gegen Interpol“ auf der Bildfläche und lässt seine Geschichte konsequenter Weise ebenfalls ein Jahr nach den Geschehnissen von Teil 1 spielen. Diese werden uns im Schnellverfahren mittels Zeichentricksequenzen im Vorspann in Erinnerung gerufen, bevor es mit nur kurzem Vorgeplänkel ziemlich schnell wieder zur Sache gehen darf.

Mag die Fortsetzung auch nicht mehr über solch sehenswerte Verfolgungsjagden verfügen wie Teil 1 (es gibt nur eine gegen Ende, und die ist ohne nennenswerten Sehwert ausgefallen), „Fantomas Strikes Back“ (Alternativtitel) kommt im Gesamtbild flotter daher als sein Vorgänger und bietet im Austausch zu den vermissten Highlights anderweitige Sehwerte. So steckt die Fortsetzung voll von kleinen, irrsinnigen Gimmicks, wie einem explosiven Miniatur-Elektroauto, einem Anzug der einem drei Arme verleiht, einem Satz schießfreudiger Zigarren und einem Auto, welches sich bei Bedarf in ein Flugzeug verwandeln kann.

„Fantomas gegen Interpol“ zeigt nicht nur die von mir nach Teil 1 gewünschten tatsächlichen Möglichkeiten und den wahren Wahnsinn Fantomas, er spielt auch mehr als zuvor mit den Klischees der Superschurken, wie sie zur Entstehungszeit wieder durch die James Bond-Reihe interessant wurden. So darf Fantomas einen Unterschlupf in einem versunkenen Vulkan besitzen, was ein wenig an die spätere Unterwasserbehausung Strombergs aus „Der Spion, der mich liebte“ erinnert. Und freilich dürfen wir auch wieder einer Maskeradenschau beiwohnen, diesmal im herrlichen Verwirrspiel von gleich drei Professoren, von denen freilich nur einer der Echte ist. Dass das Ganze für Kommissar Juve in der Irrenanstalt endet, ist nur eine von vielen Höhepunkten des Streifens, auch wenn gerade Genannter ruhig ein wenig länger hätte ausfallen können.

„Fantômas se déchaîne“ (Originaltitel) kommt verspielter und bunter daher als sein Vorgänger, und das kommt auch dem hektischen Spiel de Funès‘ zu Gute, der hier zwar ebenso extrem agiert wie in Teil 1, damit aber weitaus weniger nervt als zuvor, eben weil die Situationen so schräg ausfallen und Juve damit der Kasper innerhalb einer skurrilen Welt ist, und nicht nur der Zappelphilipp, der für sich alleine tobt.

Da man für das Projekt wieder die selben Mimen aus Teil 1 gewinnen konnte und diesbezüglich auch so manches Personal hinter der Kamera, kommt ein im Umgang miteinander erfahrenes Ensemble zusammen, dessen Spielfreude den Zuschauer anzustecken weiß. Da einige Teile der Geschichte in Italien spielen dürfen, wird das Mitwirken besagten Landes diesmal deutlich, während in Teil 1 diesbezüglich wohl nur Gelder geflossen sind. Mag man sich auch erst einmal an die andere Synchronstimme von Louis de Funès gewöhnen müssen: „Fantomas gegen Interpol“ ist ein flotter, abenteuerlicher Spaß geworden, der seinen Vorgänger locker in den Schatten stellt.


FANTOMAS (Fantômas 1964 André Hunebelle)


Der Supergauner Fantomas treibt in Frankreich sein Unwesen. Keiner weiß wer hinter der Identität des maskierten und Gesichter imitierenden Schurken steckt. Deswegen erfindet der Reporter Fandor ein angebliches Interview mit ihm und landet damit einen Knüller. Damit rückt er jedoch ins Visier des Superverbrechers, der sich beleidigt fühlt. Und auch der ermittelnde Kommissar Juve wird misstrauig gegenüber Fandor und vermutet ihn als Fantomas, was der echte Fantomas geschickt auszunutzen weiß, um sich an dem Reporter zu rächen...


Der erste Darkman...

Fantomas treibt im französischen Kino bereits seit der Stummfilmzeit sein Unwesen. Dem 1913 erschienenden „Fantômas - Im Schatten der Guillotine“ folgten bis 1914 drei Fortsetzungen, 1947 gab es eine erste vertonte Umsetzung, die sich des Themas erneut auf ernstere Art näherte, bevor die dreiteilige „Fantomas“-Reihe der 60er Jahre sich des Themas komödiantisch annahm, eine Herangehensweise, welcher sich auch die in den 80er Jahren erschienende TV-Mini-Serie „Fantomas“ von Claude Chabrol bediente. In Deutschland kennt man eigentlich nur die drei Louis de Funès-Filme, die mit dem hier besprochenen „Fantomas“ ihren Anfang nahmen.

Ob man die Filme auch ohne das Mitwirken des berühmten Komikers heute noch kennen würde, ist schwer zu beurteilen, wurde man zur Erscheinungszeit doch mit allerhand James Bond-ähnlichen Stoffen und Superschurken zugeschmissen. Mit den „Dr. Mabuse“-Filmen hatte man in Deutschland gar eine Kinoreihe am Start, die deutliche Parallelen zu Fantomas aufwiesen, und deren cineastische Wurzeln ebenfalls in der Stummfilmzeit entstanden. Ob „Fantomas“ von André Hunebelle also im Meer derartiger Erscheinungen irgendwann untergegangen bzw. in Vergessenheit geraten wäre oder nicht, bleibt zwar reine Spekulation, man wird aber wohl behaupten dürfen, dass das Mitwirken de Funès‘ ihm bei seinem Bekanntheitsstatus deutlich geholfen hat.

Fans des Komikers werden glücklich mit dem Mann, obwohl er sich den Schauplatz mit dem Helden der Geschichte teilen muss und somit nicht klassisch der Alleingänger im Zentrum ist. Das macht de Funès durch sein wildes Gezappel jedoch wieder wett, womit er jegliche Aufmerksamkeit auf sich zieht. Mir war sein Spiel dieses Mal ein wenig zu viel des wilden Herumgehampels, aber mein Glück war es, dass die kühner umgesetzte Rahmenstory ihn auf andere Weise bremste, so dass ich es trotzdem mit einem sympathischen Film zu tun hatte. Freilich hat mich auch de Funès belustigt und nicht nur genervt, also bitte nicht falsch verstehen, aber ich bin glücklich, dass Hunebelle nicht einzig auf dessen Komik baute, sondern dass ihm auch die Thematik um einen anonymen, Gesichter wechselnden Superschurken wichtig war.

Dieser ist so sehr mit Rache beschäftigt, dass wir sein wahres Genie und seine theoretisch viel weitreichendere Macht und Möglichkeiten gar nicht richtig kennen lernen dürfen. Aber genau mit diesem Schachzug gelingt es Hunebelle die Geschichte an der richtigen Stelle zu packen, jene des Hochmutes eines jeden Superschurken, welches ihm fast zum Verhängnis wird. Fast, das erkennt man am Schluss, wenn die Geschichte ohne abschließendes Ergebnis beendet wird und man dadurch erfährt, dass „Fantomas“ von Beginn an als Mehrteiler geplant war. Im Abstand von jeweils einem Jahr kam es dann schließlich noch zu zwei Fortsetzungen bei gleicher Besetzung und gleichem Regisseur.

Das erste Abenteuer um den maskierten Superverbrecher kann sich sehen lassen, gerät zwar nicht zum großen Hit den man zwingend gesehen haben muss, aber er weiß mit seiner verschmitzten und verspielten Art zu amüsieren und bietet neben allerlei Slapstick und Parodiemöglichkeiten auch manchen anderweitigen Sehwert, so z.B. ein toll inszenierte Fahrt mit einem Auto ohne funktionierende Bremse, bei welcher man angespannt den Atem anhält. Zum Ende hin präsentiert man uns eine ebenso brisant umgesetzte Verfolgungsjagd, die zwar einen kleinen Touch kürzer hätte ausfallen können, aber für einen Stoff mit Hauptaugenmerk auf die Komik unerwartet aufregende Momente zu bieten hat.

Sehr angetan war ich zudem von einer Flucht Fantomas in der Maskerade des Fandor, bei welcher Schauspieler Jean Marais persönlich einen Stunt ausführte, bei welchem er von der Leiter eines in die Lüfte steigenden Hubschraubers aus seinem Verfolger zuwinkt und daraufhin die Leiter weiter hinaufsteigt, bis er schließlich in den durch den Aufstieg immer kleiner werdenden Hubschrauber hineinklettert. Die Kamerafahrt macht deutlich, dass klassische Schutzmaßnahmen auf solch großem Raum wohl kaum vorgenommen werden konnten. Hut ab!

Ob das den Aufwand wirklich wert war weiß ich nicht, für mich guckt sich „Fantomas“ eher wie der sympathische Sonntagsnachmittagsfilm für zwischendurch, die aufgezählten Szenen selbst sind in dieser aufregend umgesetzten Art aber freilich dennoch atemberaubend umgesetzt. Noch ist thematisch vieles möglich, was die hier erzählte Geschichte noch nicht hat zulassen können. Ich hoffe in den Fortsetzungen darauf, dass man mehr von der Macht und dem Spielraum Fantomas kennen lernt und seine weitreichenderen Taten, wie das Abstürzenlassen von Flugzeugen, nicht nur in Erzählungen mitgeteilt bekommt. Aber selbst wenn es nicht so weit kommen sollte: wenn die Fortsetzungen so solide umgesetzt sind wie dieser erste Teil, dann bin ich auf schlichte Art bereits damit zufrieden gestellt.


Samstag, 18. März 2017

GHOST IN THE SHELL (Kôkaku kidôtai 1995 Mamoru Oshii)


In der Zukunft, einer Zeit der Vernetzung und der hilfreichen Unterstützung durch Cyborgs, treibt der sogenannte Hacker Puppet Master sein Unwesen, indem er in die Köpfe künstlischer Menschen steigt. Die Sektion 9 des japanischen Geheimdienstes ist hinter dem Cyber-Terroristen her, ohne die komplette Wahrheit hinter den Geschehnissen zu ahnen...


Ein Tropfen Wasser im Meer...

Wo ein „Akira“ noch Sehwert für Kinder innerhalb einer an sich erwachsenen Geschichte bereitstellte, da entfernt „Ghost in the Shell“ sich endgültig von dem Vorurteil Trickfilm sei das Medium der jungen Menschen. Erwachsener kann ein Film wohl kaum ausfallen, besteht die komplexe, für Kinder unverständliche, Geschichte doch aus politischen, philosophischen, zwischenmenschlichen und sexuellen Elementen, die zwischen Poesie und Actionmomenten schwankend in für damalige Zeit großartiger visueller Umsetzung auf den Zuschauer losgelassen wird.

Während kostengünstige Elemente, wie das Verdecken der Gesichter, um während der Dialoge ein Standbild benutzen zu können, auf das Alter des Filmes verweisen, zeigen andere Animationsmomente, dass das an der einen Seite eingesparte Geld in andere Zeichentrickbereiche investiert wurde. Actionmomente schauen sich flott animiert, ohne Beschleunigungsstriche wie noch in „Akira“ verwendet zu benötigen, und Standbilder lassen einen sowohl beim Einfangen alltäglicher Dinge aufgrund ihrer Detailliebe staunen, wie auch über experimentelle und fantastische Momente.

Die Zukunftswelt, die für „Ghost in the Shell“ entworfen wurde, ist geistreich durchdacht, mutig und verspielt zu nennen, aber auch durchaus vorstellbar in einer Welt unbegrenzter Energie. Es ist trotz aller übernatürlicher Elemente die Bodenständigkeit, die „Ghost in the Shell“ trotz sexy Helden, jeder Menge Karachomomente und Cyberphantasien, so erwachsen werden lässt. Stößt nun noch die komplexe Handlung hinzu, der man nur konzentriert vollkommen folgen kann, wird Mamoru Oshiis Werk zum vollendeten erwachsenen Seherlebnis, eines welches in Sachen Komplexität, philosophischer Ansätze und Poesie den ebenfalls sehr guten „Akira“ weit hinter sich zurücklässt und damit zum Meisterwerk wird, welches auch heute nichts von seinem Sehwert verloren hat.

Auch wenn „Ghost in the Shell“ hin und wieder zu bemüht tiefgründig wirkt, so wird aus dem Streifen doch nie ein pseudo-philosophisches Werk, besteht die Kunst doch darin den Tiefsinn beiläufig einzustreuen, ihn nicht zum Mittelpunkt der Handlung werden zu lassen, sondern, viel wertvoller, ihn zum begleitenden, stützenden Element zu machen, während im Vordergrund Action, Thrill und ein Hauch Erotik das Geschehen bestimmen.

Es ist dem Spannungsgehalt der Geschichte und der dichten Atmosphäre zu verdanken, dass humorlose, eindimensionale Charaktere zu Identifikationsfiguren werden und sich nach mehr als leeren Hüllen anfühlen. Nur selten bricht Oshii das Klischeebild der einzig für die Mission lebenden Helden auf und verleiht ihnen einen Hauch Tiefe, aber eben nur im theoretischen Gewand, während das Fleisch weiterhin einzig die Mission kennt. Erst am Ende, in der letzten Begegnung zwischen den zwei wichtigsten Figuren des Streifens, lässt Oshii davon los und schenkt seinen Figuren auch greifbare Emotionen und damit wirkliche Tiefe.

Während mit Denkansätzen über das Leben und das Sein innerhalb einer perfekt laufenden, nicht kritisch hinterfragten, Welt der Technologie der Intellekt gefüttert wird und mit bombastischen, flotten Bildern der quantitative Sehwert dauerhaft aufrecht erhalten bleibt, sorgen eine durchdachte, intelligente und wendungsreiche Geschichte für das Spannungspotential, einen Plot präsentierend, bei dem man lange Zeit nicht weiß was wirklich gespielt wird. Immer wieder werden neue Lügen gelüftet, selten ist etwas so wie es scheint. Und wie es sich für einen guten Stoff gehört, entlässt man uns auch mit einigen Fragezeichen aus der Geschichte, damit unsere Fantasie und unsere Gedanken sie weiterspinnen können. Wer noch immer Vorurteile gegenüber japanischer Trickfilme für Erwachsene hat, sollte unbedingt einen Blick auf „Ghost in the Shell“ werfen, auch wenn es sicherlich einige Zeit dauert, bis man bemerkt wie tief die Geschichte greift. Ganz im Gegenteil schaut sich der Beginn zunächst Vorurteile-bestätigend.


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Freitag, 17. März 2017

YOGI BÄR (Yogi Bear 2010 Eric Brevig)


Bislang war Ranger Smiths größte Sorge, dass Yogi Bär den Nationalpark unsicher macht, indem er Urlaubern mal mehr, mal weniger trickreich die Picknickkörbe raubt. Als Bürgermeister Brown kurz vor seiner Wahl zum Gouverneur beschließt Yellystone-Park zu roden, muss Smith sich etwas einfallen lassen um den Park zu retten...


Die Beschwerdebox hinter dem Pilotensitz...

Zugegeben, innovativ ist die Realverfilmung der 60er Jahre-Zeichentrickserie „Yogi Bär“ nicht ausgefallen, ganz im Gegenteil setzt man auf ein bewährtes und vorhersehbares Rezept. Auch die Liebe zum Detail und manch andere Pluspunkte der Realverfilmung „Die Familie Feuerstein“ wurden nicht auf Eric Brevigs „Yogi Bär“ übertragen, aber ein kleines sympathisches Stück Familienfilm ist dennoch aus diesem kalkulierten Stück Produzentendenken geworden. Das liegt u.a. daran, dass die menschlichen Mitspieler nicht im Schatten der computeranimierten Hauptfigur stehen, so wie es z.B. der Fehler des humorarmen „Garfield - Der Film“ war. Wenn überhaupt ist das Gegenteil der Fall, nervt der titelgebende Bär doch hin und wieder aufgrund seiner fürs kindlische Zielpublikum eingebauten penetranten Art.

Aber während man Freude daran hat, dass Anna Faris, Tom Cavanagh und ganz besonders Andrew Daly in der Rolle des Bürgermeisters, durch einen herzlich lustigen Film stolzieren, der ausnahmsweise positiv von seinen Stereotypen lebt anstatt darunter zu leiden, sorgt auch Dan Aykroyd als Sprecher des Yogi Bär dafür, dass die zentrale Figur so gut wie möglich rüber kommt. Es ist schön, dass man in der deutschen Fassung keinen alternativen Prominenten besetzte, sondern Aykroyds deutsche Stamm-Synchronstimme den Job machen ließ. Seine Stimme klingt zunächst zwar etwas gewöhnungsbedürftig übertragen auf den sympathisch animierten Trickbär, aber ich fand sie passend, zumal sie in ihrer stumpfen Trotteligkeit Erinnerungen an vergangene ähnlich geartete Rollen Aykroyds weckte, so z.B. an jene aus „Caddyshack 2“.

Was inmitten der vorhersehbaren Geschichte aber am meisten überrascht und überzeugt, ist der gar nicht mal schlecht eingebrachte Humor, der zwar auch nicht wirklich einfallsreich zu nennen ist, aber gut gesetzt. Die besten Witze huschen schnell am Zuschauer vorbei, so dass dieser dann am meisten unterhalten wird, wenn er sich tatsächlich in diesem Stück Trivialfilm für die gane Familie konzentriert. Die Trefferquote lässt zur zweiten Hälfte nach, ganz besonders im Finale, in dem dann auch für meinen Geschmack alles zu extrem nach Schema F verläuft, während der zuvor so erfreulich wirkende Witz pausieren muss, aber da sich „Yogi Bär“ zuvor so wacker über Wasser hielt, nachdem ich so gar nichts vom Film erwartet hatte und eher mit dem Schlimmsten gerechnet hatte, geht das schon in Ordnung.

Schließlich ist es schön, dass die Kleinsten mal wieder mit etwas unterhalten werden, an dem auch die Großen Freude haben können. Das ist gerade in einem solch Zielpublikums-anbiederndem Film nur selten der Fall. Dass „Yogi Bär“ selbst in seinen schlechtesten Phasen noch erträglich bleibt, verdankt er zudem dem geringen Anteil an sentimentalen Momenten, die zudem nicht in Kitsch baden und nur kurz aufblitzen dürfen. Dass auch ein Produzenten-gelenktes Produkt für den schnellen Dollar auf die Weltsicht der konkurrierenden Disney-Studios setzt (Du kannst alles erreichen, wenn Du nur alles dafür tust) fällt zwar auch hier negativ auf und wird eigentlich durch das diesbezüglich nicht durchdachte Drehbuch ohnehin als Lüge entlarvt, wenn im Finale lediglich der Zufall zum Happy End führt, letztendlich wäre es aber auch naiv glauben, dass diese Propaganda nicht in einem US-Familienfilm zu erwarten wäre.


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Mittwoch, 15. März 2017

DIE BANDE DES SCHRECKENS (1960 Harald Reinl)


Bevor der Schwerverbrecher Shelton hingerichtet wird, schwört er nach seinem Tod Rache zu nehmen an allen Personen, die an seiner Festnahme und seinem Ableben beteiligt waren. Als es kurz nach dem Tod von Shelton tatsächlich zu ersten vorausgesagten Todesfällen kommt, versucht Chefinspektor Long, der selbst auf der Todesliste steht, die noch lebenden Opfer zu beschützen. Doch wer auch immer Sheltons letzten Willen ausführt geht äußerst trickreich vor...


Ein Pfiffikus nimmt es gegen die Galgenhand auf...

Gerne wird der Begriff Grusel-Krimi verwendet, wenn es um die Edgar Wallace-Reihe aus dem Hause Rialto geht. Gerechtfertigt, wie beispielsweise im Stummfilm-Klassiker „Orlacs Hände“, finde ich die Bezeichnung nicht gewählt, sind es doch höchstens die Spielorte die ein wenig gothischen Touch versprühen. Die Geschichten selbst beinhalten maximal leicht angedeutet das Sinnbild eines Monsters, so beispielsweise im blinden Jack aus „Die toten Augen von London“.

„Die Bande des Schreckens“ kommt noch am ehesten an den Begriff Grusel-Krimi heran, darf hier doch ein Toter Rache nehmen. Doch nicht nur dass von Anfang an klar ist, dass hier kein Verstorbener am Werke ist, sondern äußerst lebendige Zeitgenossen, auch das Flair selbst will nicht im Ansatz Grusel-Feeling versprühen. Was soll also dieser stets verwendete irreführende Begriff bezüglich einer Reihe, die mal mehr, mal weniger klassische Kriminalfilme bietet?

Wie auch immer, „Hand of the Gallows“ (Alternativtitel) ist ein sympathischer, klassischer 10 kleine Negerlein-Krimi, der zwar zum Mörderraten einlädt, einem aufgrund seiner erst im Finale lüftender Geheimnisse aber keine echte Chance gibt Rückschlüsse sinnvoll ziehen zu können. Verdächtige gibt es zu genüge, und 20 Minuten vor Schluss, wenn die Leiche eines der Todeslisten-Opfer nicht gefunden wird, ist längst klar wer der Chef der hier tätigen Verbrecherorganisation ist, lange bevor es das Drehbuch so möchte. Nur den Grund begreift man erst mit Enttarnung besagter Person.

Was mir an „The Terrible People“ (Alternativtitel) besonders gut gefällt, ist seine geradezu reine Art der klassischen Wallace-Zutatenkombination, die der Streifen als dritter Teil der langjährigen Reihe sicherlich seinem frühen Erscheinen zu verdanken hat. Die Love Story wird noch offensichtlicher und ohne verkrampftes Buhlen, Komplexe oder anderweitiger Hindernisse angegangen und zeigt in der Schluss-Szene ihre Leichtigkeit in einer Form, die eher im Heimatfilm zu Hause wäre. Und ähnlich ergeht es der komödiantischen Rolle Arents, anbei der einzig humorvolle Part des Streifens, die noch mit schlichtem Running Gag auskommt, trotz teilweise etwas krampfhaft eingefügter Szenen sich großteils aber dem Gesamten zu fügen weiß und das Voranschreiten der Geschichte gar unterstützt, was in späteren Werken nicht selbstverständlich sein sollte.

Neben den weiteren Stammdarstellern Joachim Fuchsberger und Karin Dor agieren die ebenfalls gelegentlich in der Reihe vorbeischauenden Elisabeth Flickenschildt und Fritz Rasp. Letztgenannter hat schon in den 30er Jahren in Edgar Wallace-Verfilmungen mitgespielt. Beide sind gern gesehene Mimen und meistern ihre Rollen gut, Flickenschildt etwas auffälliger als der souverän schlicht, aber subtil agierende Rasp.

Harald Reinl inszeniert das Geschehen, welches schnell hätte monoton ausfallen können, flott und damit sehr unterhaltsam, liefert aber auch kein überdurchschnittliches Ergebnis ab. Ob es nötig war die Erbschaftsverstrickung zwingend in die Rachegeschichte zu integrieren, sei einmal dahin gestellt, gibt der Love Story aber freilich zusätzlichen Zunder, zumal trotz Fuchsbergers Beschützerinstinkt die Rolle Dors keineswegs hilflos gezeichnet ist, sondern stattdessen recht taff daher kommt. Von daher ist es schön, dass sie stets per Betäundungsmittel außer Gefecht gesetzt wird, so dass beide Seiten des Liebespaares ihren Part erfüllen können.


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Montag, 13. März 2017

XX - UNBEKANNT (X: The Unknown 1956 Leslie Norman)


Ein aus dem Erdinneren kommender radioaktiver Schlamm wird immer größer und bedroht die Menschheit...


Schlamm - Schrecken ohne Namen...

Zwei Jahre nach „Shock“ und ein Jahr vor „Feinde aus dem Nichts“, den beiden 50er Jahre Quatermass-Filmen der Hammerstudios, erschien von selbigen Studios produziert ein Film, der aufgrund seiner Thematik und seines älteren Wissenschaftlers in der Heldenrolle wunderbar in die Quatermass-Reihe gepasst hätte. Ob das ursprünglich einmal so geplant war und kurzfristig zu einem eigenen Projekt umgetextet wurde, weiß ich nicht, aber der Erfolg des ersten Teils wird so oder so Einfluss auf das Vorankommen der Dreharbeiten zu „XX - Unbekannt“ gehabt haben.

Zwei Jahre bevor die Amerikaner den berühmteren „Blob - Schrecken ohne Namen“ auf die Menschheit losließen, kamen die Briten mit etwas Vergleichbarem daher. Hier wie dort terrorisiert ein größer werdendes, breiartiges Monster die Menschheit. Aufgrund der fehlenden Radioaktivität konnte der Blob seinen Feinden jedoch erstaunlich nahe kommen, das Schlammmonster aus dem hier besprochenen Film sehen wir, wenn überhaupt, nur aus der Ferne, und dies aufgrund seines späten Erscheinens auch erst ab einer Größe, die in etwa dem Finale des amerikanischen Vergleichsfilmes entspricht.

Nicht nur durch die Körpernähe ist der amerikanische Science Fiction mit Steve McQueen näher am Zuschauer dran als der radioaktive Schleim aus „X - The Unknown“ (Originaltitel), auch die Identifikationsfiguren Teenager und Polizist boten dem Publikum mehr Identifikation als der über allen Dingen stehende Wissenschaftler hier, unterstützt durch Militär und Regierung. Kaum zu glauben, aber dieser britische Monsterfilm schaut sich amerikanischer, als es der US-Vergleichsfilm tut. Würden die Soldaten nicht ständig Tee schlürfen, könnte man meinen sich in einem der Propaganda-Science Fiction-Werke aus Übersee zu befinden, die zu dieser Zeit inflationär auf das Kinopublikum losgelassen wurden.

Für den Freund des frühen Monsterfilms ist „XX... Unbekannt“ (Alternativtitel) trotzdem ein kleiner Leckerbissen. Nicht nur dass er für seine Zeit recht harte Effekte zerschmelzender Menschen bietet, auch die völlig schwachsinnige Story weiß zu gefallen, die extrem ernst vorgetragen wird, wenn auch als Blödsinn getadelt von einem Wissenschaftskollegen, der zu Recht von der Hauptfigur behauptet, sie würde nur dämliche Fantastereien liefern, anstatt Fakten zu nennen. Ein 50er Jahre-Monsterfilm gibt dem Spinner freilich trotzdem recht, sonst gäbe es keine zu bekämpfende Kreatur, und der konkurrierende Wissenschaftler nimmt gegen Ende zurück, was er zuvor kritisiert hat.

Zwar wird das Militär aufgrund seiner schlichen Problemlösungsversuche kritisiert, aber an sich erleben wir hier einen Film, indem Wissenschaft, Militär und Regierung vorbildlich miteinander kooperieren, um die Menschheit vor dem Schlimmsten (oder in diesem Falle Schlammsten?) zu bewahren. In einer kurzen Sequenz wird sogar noch die vierte für seine Zeit wichtige Institution vorbildlich eingebaut, wenn ein Pfarrer ein kleines Mädchen heldenhaft vor dem radioaktiven Schleim rettet. Ansonsten ist es in „XX unbekannt“ (Alternativtitel) still um das Thema Kirche.

Inmitten einer selten dämlichen, aber charmant vorgetragenen, Geschichte erwartet niemand eine sinnvolle, nachvollziehbare Lösung des Problems. Trotzdem wirkt es selbst in solch einem Trivialfilm wie dem hier besprochenen etwas zu billig, dass der Held der Geschichte ohnehin seit Jahren an einer Lösung genau jenem Problems arbeitet, mit welchem man die Kreatur schließlich aufhalten kann. Gut dass er 30 Minuten bevor das Monster zu groß wird um es noch aufhalten zu können, genau jenes Problem behebt, welches er all die Jahre nicht lösen konnte.

Man muss also schon ein paar Augen mehr zudrücken, als bei solch einem Streifen dieser Dekade und dieser Art ohnehin schon, um mit „X the Unknown“ (Alternativtitel) etwas anfangen zu können. Gibt man sich aber großzügig und offen für solchen Unsinn, bietet sich ein fairer Blick auf den Unterhaltungswert des Streifens, und der ist gut genug um zumindest Stammzuschauern des Genres zu raten einen Blick zu riskieren. Als Vorlage zu „Blob - Schrecken ohne Namen“ ist er filmhistorisch eigentlich sogar eine Pflichtsichtung für das Zielpublikum.


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